La otra cara de la luna

“A través de mis fotografía puedo hablar de manera más intrincada y profunda que a través de las palabra.” Richard Avedon.

En 1923 Nueva York vio nacer a un niño apasionado que desde los diez años de edad se paraba detrás de una cámara y capturaba rostros y expresiones. Su nombre es Richard Avedon y según el obituario dedicado a su persona por el New York Times “sus fotografías de moda y sus retratos habían ayudado a definir, en Estados Unidos, durante el último medio siglo, la imagen de belleza, elegancia y cultura.” Y no están equivocados. Para comprobar el último enunciado les enseñaré alguna que otra chulada y ya descubrirán que fue un pionero de la foto de moda.

Comenzó su carrera como fotógrafo trabajando para la Marina Mercante en 1942. Luego trabajó en Harper´s Bazaar (jefe de Fotografía de la revista) después fotografío para la prestigiosa Vogue y se suman a la lista Egoiste (publicación francesa) New Yorker, Life y Look. Sin embargo no se desarrolló únicamente como fotógrafo de moda. También es reconocido por su excelencia y espontaneidad para retratar. Muchas celebridades se postraron frente a él para que Avedon le mostrara al mundo un rostro nuevo que no conocían pues la lente del artista captaba la esencia de las personas más allá que sólo las facciones. Al principio de la década de los 60´s mostró preocupación social y viajó por su país haciendo fotos del movimiento por los derechos civiles; en los 70´s fueron las manifestaciones anti-guerra; y en 1990 la caída del muro de Berlín. En el 2004, mientras realizaba un proyecto llamado “On democracy” por EUA falleció en San Antonio, el 1 de octubre.

Aquí podemos observar el proceso artístico del poderosísimo Richard Avedon: http://www.youtube.com/watch?v=hT3XdQ9I2PU

Y la página de su fundación: http://www.richardavedon.com/

La espera. El esfuerzo. La recompensa

“Rondaba las calles todo el día, me sentía tenso, listo para disparar. Estaba convencido a capturar la vida en su mismo acto de vivir.” Henri Cartier Bresson.

Siendo el día de hoy a ésta hora, yo inauguro la pared de la fama de los grandes maestros de la Fotografía. Para la legalidad en el asunto mi can será el testigo y juez y demás y a la one, two, three... Comenzaremos con un favorito personal, el Monsieur Henri Cartier Bresson. Nació en el seno de una familia de clase media en Chanteloup-en-Brie, Francia. Corría el año 1908. Estudió Pintura y Literatura en Cambridge. Al principio fue dibujante pero  en 1931 dedicó sus horas a la fotografía. Un año más tarde su compañera era una Leica de 35 mm. Fue de las primeras personas en utilizar éste modelo. Recubría de negro la parte niquelada de la cámara para pasar inadvertido pues, adorados lectores, el Monsieur Cartier es considerada el fotógrafo del instante decisivo. Un apasionado de la vida y la rapidez con la que el mundo gira. Él cuidaba mucho la composición de sus imágenes y sus elementos, aguardaba con el dedo sobre el disparador al segundo específico y ¡chaz! Creaba fotos que enmudecen al que las observa.

En la Segunda Guerra Mundial fue hecho prisionero por los alemanes pero escapó en 1943 a París y se encuadró  en la Resistencia francesa. De ésta manera logró documentar de manera fotográfica la ocupación y retirada nazi en su país. Posteriormente –en 1947-  fundó junto con Robert Capa y David Seymour la agencia de talla internacional Magnum Photos. En cuanto a su técnica, positivaba el negativo completamente, sin encuadres ni recortes.

Los siguientes son algunos de sus increíbles trabajos:

• ·         El momento decisivo
• ·         El mundo de Henri Cartier-Bresson
• ·         Mexican Notebooks
• ·         Hombre y Máquina

Y ahora, permitan a sus ojos emocionarse con estas fotografías.

“Tus primeras 10.000 fotografías serán tus peores fotografías. Persevera, estudia, practica, reflexiona, llega a la fotografía 10.001 y a la 10.101 y a la… y verás cómo poco a poco te irás convirtiendo en un mejor fotógrafo.” Henri Cartier-Bresson.

Para entender mejor su mentalidad y su legado les dejo este video donde el mismo artista explica el porqué de sus fotos: http://www.youtube.com/watch?v=r6l09YEeEpI

Y a echarle ganas y practicar mucho como dice el maestro. Juguemos con nuestros juguetes.

Pedro Meyer y la fuerza de dos

Pedro Meyer es un fotógrafo contemporáneo. Pedro Meyer es un pionero.

 Hijo de padres alemanes, nació en España en 1935 ,sin embargo, su corazón y su mente crecieron en la Ciudad de México. En el caso de Pedro Meyer, al proceso básico de la vida: nacer, crecer, reroducirse y morir, debemos agregarle después de crecer lo siguiente: enamorarse perdidamente de la Fotografía; y revolucionar a la burbuja del mundo. Todos sus proyectos están cargados de un reto como el titulado “Fotografío para recordar” que fue el primer CD del mundo que contenía imágenes y sonido. En el 2008 logró la odisea de mostrar simultáneamente su trabajo en 60 exhibiciones en 17 paises. El proyecto se llamo "Herejías".

Aquí su mensaje de inaguración:

 Ha publicado también “Tiempos de América” y “Los Cohetes duraron todo el dia”, proyectos muy interesantes. Es el fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y hoy catedrático por varias universidades del mundo como España, Inglaterra, Ecuador, Argentina y Alemania -entre otras-.También es editor, fundador y director de la página de internet:  Zone Zero, espacio dedicado a fotógrafos de todo el mundo.

Fue uno de los grandes pioneros en el cambio de análogo a digital en la Fotografía. Considerado como el primer artista multimedia del mundo.

"Me parece incorrecto que una escuela imparta algo que para cuando los alumnos egresen ni siquiera habrá mercado para ellos. Las escuelas de fotografía deben enseñar tecnología digital".

Es un fotógrafo inigualable por su valentía y su sinceridad. Logra una comunicaión y complicidad con el espectador, nos interna en su propia visión de las cosas de una manera tan profunda que nos adueñamos de ella y nos involucra en la historia. 

La fotografía es el único medio en que el testimonio es la fotografía misma.

Las manos mostradas en esta fotografía eran de sus padres. En el documental "Fotografia para recordar" Pedro nos muestra los últimos años con ellos y el sufrimiento que las enfermedades terminales acarrean. Lo impresionante del trabajo es su fuerza para estar con ellos y continuar captando los momentos bellos como éste.
El documental nos explica primeramente quienes eran sus padres, sus profesiones, sus vivencias, su matrimonio. Paulatinamente nos adentra en sus temores, felicidades y nos muestra el día que su padre se enteró de su situación. Hay una foto impresionante de su madre deshecha en los brazos de un padre compasivo y fuerte que la consuela diciéndole que aguantará mucho más del pronóstico del doctor. Y lo logró, en vez de los escasos meses el padre de Pedro dura tres años. Durante este tiempo el fotógrafo siguió retratando esos segundos de amor y cariño de sus padres. La voz de Pedro nos cuenta "a veces los encontraba besándose" éste dato me resultó bellísimo porque muchos pueden considerar un beso como una actividad de amor joven pero no es cierto.
Es un documental bellísimo por la carga sentimental que contiene y por su mensaje de lucha y amor ante la adversidad. Me conmovió... ¡véelo! Vale la pena :)

Éstos son los links de su fundación y de su página de fotógrafos internacionales:
www.pedromeyer.com.
http://www.zonezero.com/zz/

Las cosas son raras... Duane Michals

Duane Michals nació en Mckeesport, Pensilvania, Estados Unidos en 1932.  Su padre era acerero y su madre empleada doméstica. Sin embargo Duane era ligeramente distinto, era un artista y gozaba el arte. Con los poemas de Walt Whitman en el bolsillo y una visión innovadora se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Denver en el ´53. Posteriormente estudió  en Nueva York en la Escuela de Diseño Parsons pero la abandonó por cuestiones de trabajo. Cinco años después de graduarse viajó a la Unión Soviética y cambió. Descubrió una nueva dimensión a través de la lente y cómo podía fabricar una realidad ya existente pero a la que somos ciegos. No por nada es uno de los máximos exponentes de la fotografía filosófica y conceptual. Su trabajo es surrealista, irónico, trascendente y brillante.

“Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea"

Duane Michals ha hecho de todo: portadas para las revistas Life, Vogue; la banda musical The Police; publicidad para Gap… pero sus trabajos personales lo han convertido en un genio del siglo XX.

Emplea la técnica de la doble y triple exposición, complementa sus obras con texto, utiliza poca iluminación y equipo técnico. Es decir, este hombre revolucionó totalmente la percepción del arte de la Fotografía. Pero uno de sus mayores logros son sus trabajos de secuencia.

Aquí puedes ver uno:

 O dos...

"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños.” 

Las personas no lograremos nunca plasmar idénticamente nuestros pensamientos oníricos a la realidad. Si esto es lo que Duane Michals ha logrado mostrar imagínate como se verán las cosas desde su mente vanguardista y sus excéntricos ojos. 

Inmortalizar esencias

Según la Real Academia Española la definición de retrato es:

retrato.

(Del lat. retractus).

1. m. Pintura o efigie principalmente de una persona.

2. m. Descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.

Sin embargo esta definición resulta ambigua para la materia de Fotografía. El retrato se refiere a plasmar lo que un sujeto es, captar su esencia y su totalidad. Como dice la descripción numero 2, sus cualidades físicas pero también las morales (que son, por cierto, las más difíciles de inmortalizar).

El fotógrafo descubre la belleza en todas las cosas que lo rodean y muchos elementos ayudan a realzar la fisonomía de los modelos por ejemplo: la luz, la perspectiva y la composición.

¡Juguemos con la luz! Las sombras en el rostro funcionan como resaltadores de facciones. La luz lateral es nuestra mejor aliada a la hora de impedir un retrato de un rostro plano y sin relieve. También podemos utilizar:

• Flash rebotado: la luz del flash rebota en la pared o el techo. Este flash es móvil y baña de luz en el sentido que posee un efecto suave y modelador.

• Iluminación frontal: crea un modelado suave y de bajo contraste mediante el reflejo en la pared pero esta iluminación se dispara por detrás de la posición del fotógrafo.

• Empleo de difusor: el difusor es ese paraguas curioso que encontramos en los estudios fotográficos pero un pañuelo o tela blanca y no opaco puede funcionar. El difusor suaviza y difumina la luz.

• Luz frontal dura: al no emplearse difusor subraya la forma de la cara y la textura de la piel es endurecida. Esta luz funciona para dramatizar, enigmatizar y provocar terror.

En un retrato el fondo no puede competir con nuestro modelo. No es lo que buscamos resaltar. Lo preferible es disminuir la profundidad de campo aumentando la abertura del diafragma.

Otro tip original es enmarcar retratos con elementos del entorno como ventanas, paredes o incluso partes del cuerpo del modelo como los brazos y el cabello. Y no olvides… los retratos más difíciles son aquellos que muestran la belleza exterior e interior del modelo.

¿Quieres ver un trabajo muy interesante de retratros? Mark Laita presenta su proyecto "Created Equal: A Stunning Photo Series Exploring Cultural Difference in America"

http://www.thephotomag.com/2013/05/created-equal-stunning-photo-series.html

Un gran sujeto con íncreibles cualidades

Cuando creamos una foto capturamos la imagen de algo... a ese algo le llamaremos sujeto y posee atributos o cualidades. Son sencillas pero los verdaderos maestros juegan con ella de una manera extraordinaria.

Línea: dirección y movimiento. ¿Sientes como la chica pero también el mismo pasillo te empujan hacia adelante?

Ritmo: es la repetición del mismo elemento más de tres veces. Generalmente aburre por el hecho de ser lo mismo tantas veces. Sin embargo, una buena manera de crear una buena foto con ritmo es romperlo con un elemento semejante pero no igual. Como este "activo" soldado.

Forma: cuando mostramos la fracción de un todo y debido a esa fracción entendemos cual es el todo. Básicamente es mostrar la llanta de una bicicleta y entender que es una bicicleta sin verla completa. A que sabes que animal es este.

Textura: son aquellos sujetos con bajo o alto relieve. Pareciera que los pudiéramos palpar... éstas manos parecen salirse de la pantalla. La textura es unitaria. 

Intenta hacer una fotografía con todos estos elementos... abre bien los ojos.

De compositores y fotógrafos

Una imagen dice más que mil palabras. Una fotografía cuenta una historia, activa dentro del espectador una montaña rusa de sentimientos o controla la batuta de una sinfonía emocional. Una fotografía debe defenderse por sí misma. Cuando se logra hacer una buena foto no existen preguntas externas. ¿Cómo lograrlo? Aquí se presentan algunas reglas que te pueden guiar por el camino de la genialidad…

¿Qué estamos fotografiando? El elemento más importante debe ser resaltado y obvio. Este elemento es llamado centro de atención. Después de ubicar a nuestro centro lo siguiente es lograr que gire a su alrededor la demás composición. Tal vez sea llamado centro, pero esa no es forzosamente su posición. Tampoco debe abarcar el mayor espacio de la fotografía, el peso visual debe ser equilibrado.  Por el otro lado también es posible rellenar el encuadre, es decir ocupar la parte más grande de la foro con el centro de atención.

Si a la hora de oprimir el disparador albergas duda la regla de los tercios es una excelente aliada: 

Las imágenes se dividen en nueve cuadros; cuatro líneas, cuatro intersecciones. Los rayos indican los puntos que más llaman la atención. Un buen tip es acomodar los elementos más importantes aquí. O acaso no habías notado que el robot de Star Wars R2D2 está gozando de una torta. Claro que el centro es un punto fuerte pero no debemos abusar de él. La situación y el tratamiento otorgados al centro de interés es lo más decisivo en la composición fotográfica.

¡Ten cuidado con la competencia entre elementos! Algunas veces muchos entes son importantes y eso puede desviar la atención del espectador al lugar no deseado… inclusive los fondos son mañosos y acaparan la atención maniáticamente.  Lo preferible es escoger lo interesante a nuestros ojos y sacar de foco a la competencia… no siempre aplica el dicho “Si no puedes contra ello, únetele”  ¿Qué podemos hacer con el fondo? Sácale provecho, para resaltar utiliza fondos oscuros con sujetos claros o viceversa.

¿Más consejos para una composición bella e interesante? Los ángulos de toma…contra picada y picada sirven para enaltecer o rebajar, respectivamente. Estos ángulos son utilizados para conseguir una connotación en la foto.  Lo preferible a la hora de tomar fotos es acomodarnos al nivel del objeto (sobre todo con personas) porque de esta manera captamos su mundo, su visión y no lo nuestro. ¿A poco no es mágico cuando la foto excede nuestras manos y ojos y plasma lo que sucede fuera de nosotros? Aunque claro no descartemos la opción de conseguir un encuadre original con una vista de pájaro, es decir elevado. Invirtamos los papeles y que el suelo sea nuestro fondo:

La fotografía dialoga en silencio con su espectador, guía su vista de un lado a otro. Sin embargo hay veces en que el fotógrafo dirige la atención fuera de la foto y que un espectador pase de largo nuestra obra “maestra” ¡no es de Dios! Así que siguiente regla: la de dirección. Los ojos, las manos, los pies deben mirar hacia donde hay más espacio. Capturemos la entrada y no la salida de elementos a nuestra fotografía. Los ojos humanos leen las imágenes en “z”. La entrada es por la esquina superior izquierda, la mirada se desplaza a la esquina superior derecha, baja hasta la inferior izquierda y sale por la inferior derecha. Sácale provecho a este hecho y acomoda los elementos de tal manera que obliguen al espectador a observar la foto en el orden que deseamos.

Ahora ¿qué notamos en esta foto?

¿Acaso no sientes como tu mirada transita por un camino? ¿Cómo nuestros ojos son guiados por líneas? Las líneas dentro de una fotografía son muy importantes porque de esta manera el espectador simplemente debe dejarse llevar y apreciar.  En mente debemos tener el significado del tipo de líneas, chequemos el dato:

         Rectas: aburridas, sobrias, concretas, seguras

         Zigzag: agresivas, interesantes, rápidas, ingeniosas

·      

·                                                                                                                           jnCurvas: femeninas, suaves, delicadas

Es tema arcaico y conocidísimo, el cielo y la tierra. El cielo aquél paraíso desconocido, anhelo de religiosos y amantes y la tierra, nuestra cuna mundana y bien amada. Pues bien, en Fotografía existe una regla que concierne a estos dos famosos elementos: la regla de cielo y tierra, así de simple para no rompernos tanto la cabeza. Ambos siempre deben existir pero nunca en proporciones iguales. Imaginemos que nuestra foto la partimos en tercios horizontales, así:

Dos tercios de cielo, uno de tierra o viceversa. Inclusive 2 1/5 de cualquiera de los dos pero recuerda ¡nunca mitades! Podrá ser una decisión algo complicada en temas santos optar por uno o el otro pero al momento de oprimir el disparador lo mejor es que nuestro visor y nuestro ojo decidan que elemento llevará la mayor proporción.

¿Otro tip? En la foto el tres es el número mágico. Tres elementos siempre serán más armoniosos que dos o cuatro.

Sabios y sabiondos han dictaminado que los seres humanos poseemos un instinto criminal y de corte asesino en serie dentro. Pues bueno, a veces al tomar fotografías sublima el carnicero que llevamos dentro y cortamos sujetos por sus coyunturas o sea dobleces naturales del cuerpo como codos, rodillas, cuello, abertura de la boca, tobillos, etc.  ¿Qué dice la regla de los cortes? No lo hagas, límitate a guardar tus impulsos y antes de hacer la fotografía observa bien quien puede resultar con retratado con muñones. Evita errores como éste:

Y se feliz.